1964년 영화 ‘마이 페어 레이디(My Fair Lady)’는 단순한 고전 뮤지컬을 넘어서, 영화 미술과 의상 디자인의 교과서로 꼽히는 작품입니다. 조지 큐커 감독이 연출하고, 오드리 헵번이 주연을 맡은 이 작품은 조지 버나드 쇼의 희곡 ‘피그말리온’을 원작으로 하고 있습니다. 세실 비튼(Cecil Beaton)이 총괄한 의상과 세트 디자인은 단순한 미장센을 넘어 영화의 핵심 메시지를 시각적으로 전달하는 데 기여합니다. 이번 글에서는 의상과 공간을 통해 캐릭터의 변화와 세트 디자인의 정교함, 디자인의 상징적 의미를 자세히 살펴보겠습니다.
1. 오드리 헵번의 의상 스타일
오드리 헵번이 연기한 엘라이자 둘리틀은 하층민에서 상류층 여성으로 신분이 상승하는 인물로, 그녀의 변화는 스토리만큼이나 ‘의상’을 통해 선명하게 드러납니다. 영화 초반, 엘라이자는 남루한 갈색 코트와 천 모자로 런던 거리를 떠돕니다. 드레스는 해어지고 얼룩졌으며, 꽃을 들고 있는 손은 장갑조차 없이 거칠기만 합니다. 이러한 비주얼은 단순한 빈곤의 묘사를 넘어서 당시 하층민 여성의 삶을 시각적으로 요약한 장치로 작용합니다. 그러나 히긴스 교수의 지도로 언어와 예절을 익히면서, 그녀의 복장은 점차 변화합니다. 이때부터 등장하는 각종 드레스는 그녀가 상류층 사회에 편입되기 위한 '시각적 언어' 역할을 하게 됩니다. 가장 상징적인 의상은 ‘애스콧 경마장’ 장면에서 착용한 흑백 스트라이프 드레스입니다. 이 의상은 단순한 패션 아이템이 아니라, 당대 귀족 사회의 고정관념과 형식미를 상징적으로 표현한 작품입니다. 커다란 리본과 드라마틱한 실루엣, 대조적인 흑백 톤은 시각적 임팩트를 극대화하며, 사회적 포장과 진정한 정체성의 간극을 암시합니다. 또한 영화 후반부의 무도회 드레스는 엘라이자의 최종적인 변화를 상징합니다. 순백색 드레스에 반짝이는 보석들이 장식된 그녀의 모습은 흡사 왕족처럼 보이지만, 카메라는 그 화려함 뒤에 숨은 그녀의 혼란과 정체성 위기를 조명합니다. 드레스는 상류층 사회에 속했다는 증표지만, 그녀는 여전히 자신이 누구인지 혼란스러워합니다. 이러한 감정의 복합성을 의상이 세심하게 대변하고 있는 셈입니다.
헵번이 입은 모든 의상은 세실 비튼이 철저하게 시대적 배경을 고증하여 디자인했으며, 1910년대 영국 상류층 여성의 의복 트렌드를 반영함과 동시에 헵번의 우아한 체형과도 조화를 이루게 구성되었습니다. 복식 디자인뿐 아니라 소재의 선택에서도 당시 유행하던 레이스, 새틴, 벨벳 등을 활용하였으며, 모자, 장갑, 양산까지 꼼꼼히 스타일링 되었습니다. 결과적으로 영화는 1965년 아카데미 시상식에서 '최우수 의상 디자인상(Best Costume Design)'을 수상하며, 영화사에 남을 의상 연출로 기록되었습니다.
2. 세트 디자인의 정교함
‘마이 페어 레이디’는 대부분 스튜디오 세트장에서 촬영되었음에도 불구하고, 당시 런던의 거리와 실내 공간을 실감 나게 재현해 냈습니다. 이는 세실 비튼이 의상뿐만 아니라 세트 디자인에도 깊이 관여한 덕분입니다. 그는 당시 런던의 사회 구조와 계급 문화를 시각적으로 해석하고자, 모든 공간의 색채, 가구, 질감, 조명에 이르기까지 정밀하게 설계했습니다. 예를 들어, 히긴스 교수의 집은 영화에서 가장 많은 장면이 등장하는 공간 중 하나입니다. 이곳은 언어학자의 서재답게 고문서와 책, 녹음 장비와 음성 분석 기구들로 가득하며, 따뜻한 갈색 톤과 붉은 벨벳 소재의 가구들이 결합되어 고풍스러우면서도 차가운 분위기를 자아냅니다. 이 세트는 히긴스의 지적이면서 권위적인 성격을 시각적으로 보여주며, 엘라이자와의 심리적 거리감을 형성하는 역할도 합니다. 반면 엘라이자가 처음 등장하는 코벤트 가든의 시장 골목은 어둡고 혼잡하며, 각기 다른 색의 천막과 수레, 다양한 인종과 계층의 사람들이 섞인 공간입니다. 이곳은 자유롭지만 불안정한 분위기를 전달하며, 엘라이자의 원래 세계를 상징합니다. 이후 그녀가 진입하는 상류층 공간들은 정반대입니다. 애스콧 경마장 세트는 회색 톤의 기하학적 구성과 질서 정연한 배치로 구성되어 있으며, 모든 인물이 마치 하나의 연극 무대처럼 움직이도록 디자인되었습니다. 이는 귀족 사회의 엄격함과 인위성을 표현합니다. 무도회 장면의 세트는 고대 궁전의 연회장을 연상시키는 대리석 기둥, 황금빛 조명, 화려한 샹들리에가 가득하며, 엘라이자의 등장을 극적으로 부각시키기 위한 무대 장치 역할을 합니다. 이 장면에서는 그녀의 신분 상승을 가장 화려하게 연출하면서도, 내부의 갈등을 보여주는 대조적 장치로 작용합니다.
영화는 현실보다 이상화된 공간을 통해 상류층 사회의 허상을 묘사합니다. 모든 세트는 사실성을 바탕으로 하되, 과장과 상징을 결합해 시청각적 충격과 감정을 이끌어내는 방식으로 구성되어 있습니다. 이런 점에서 ‘마이 페어 레이디’의 세트 디자인은 단순한 배경이 아닌, 이야기 전개의 또 하나의 주인공으로 기능한다고 볼 수 있습니다.
3. 영화 속 디자인의 상징적 의미
‘마이 페어 레이디’에서 의상과 세트는 단순히 시대 배경을 전달하는 수단이 아니라, 영화의 주제와 메시지를 시각적으로 압축한 상징적 장치들입니다. 엘라이자의 의상은 그녀의 사회적 위치와 심리적 상태를 동시에 보여줍니다. 화려한 드레스를 입고 있는 순간에도 그녀는 불안하고 혼란스러워하며, 겉으로는 귀족처럼 보이지만 내면은 여전히 시장의 꽃 파는 소녀입니다. 이러한 이중성은 영화가 말하고자 하는 핵심 주제 중 하나인 ‘계급의 허상’과 맞닿아 있습니다. 당시 영국 사회는 말투, 옷차림, 예절 등 외형적 요소로 사람의 가치를 판단했습니다. 히긴스 교수는 엘라이자의 발음을 교정함으로써 그녀를 '재창조'하려 하지만, 엘라이자는 점차 자신이 누구이며 어디에 속해야 하는지에 대한 혼란을 느끼게 됩니다. 이때 의상은 그녀의 정체성 혼란을 극대화시키는 요소가 됩니다. 세트 역시 같은 방식으로 기능합니다. 히긴스의 집은 지식과 권위를 상징하는 공간이지만, 동시에 감정이 배제된 차가운 공간이기도 합니다. 엘라이자가 편안함을 느끼지 못하는 이유는 바로 이곳이 인간적인 따뜻함이 결여된 세계이기 때문입니다. 반면 시장 골목은 혼란스럽지만 따뜻하고 인간미가 있는 공간입니다. 두 세계를 오가며 그녀는 물리적인 이동을 넘어서 정체성의 중심을 찾아가는 여정을 걷습니다. 이처럼 ‘마이 페어 레이디’의 디자인은 단순한 미적 요소가 아닌, 캐릭터와 서사를 풍부하게 만들고, 시청자에게 보다 깊이 있는 주제를 전달하는 중요한 장치입니다. 세실 비튼은 이 모든 시각 요소를 통해 ‘형식의 아름다움 속에 숨겨진 진실’을 보여주었고, 이는 오늘날까지도 고전 영화의 디자인적 가치를 이야기할 때 빠질 수 없는 이유가 되었습니다.
결론적으로 ‘마이 페어 레이디’는 스토리와 연기를 뛰어넘어, 영화의 시각적 구성 자체가 하나의 언어로 작용한 사례입니다. 의상과 세트는 단순한 장식이 아닌, 상징과 메시지를 담은 서사의 핵심입니다. 이 작품은 디자인이 영화에 어떻게 기여할 수 있는지를 보여주는 가장 완벽한 예이며, 그 미학은 지금까지도 디자이너, 영화인, 학자들에게 끊임없는 영감을 주고 있습니다.